Category: Bez kategorii (page 1 of 14)

Kino „NIEBIESKI KOCYK” na KLAMRZE

„AGNUS DEI”
reż. Marianna Korman, Polska2020
 
Historia samotnego, bezdomnego mężczyzny, który boryka się z problemami ludzi żyjących na ulicy. Nie wiadomo z jakiego powodu tak  potoczył się jego los. Główny  bohater nadal wydaje się być anonimowy. Jego pozornym ukojeniem samotności jest jedynie kobieta ze snów… 
 

Kino „NIEBIESKI KOCYK” na KLAMRZE

„PRAWDA” reż. Hirokazu Koreeda, Japonia 2020 
 
Fabienne (Catherine Deneuveto) wielka gwiazda kina i królowa męskich serc. Wkrótce po tym jak aktorka publikuje swoje intymne wspomnienia, jej córka Lumir (Juliette Binoche) przybywa z Nowego Jorku do Paryża z mężem (Ethan Hawke) i dzieckiem. Ponowne spotkanie matki i córki szybko zmienia się w zaciętą konfrontację. W jej trakcie miłość zderzy się z dawnymi urazami, a tajona przez lata prawda w końcu ujrzy światło dzienne.
 

JAZZ na KLAMRZE

THE OTHER SOUND
 

Projekt THE OTHER SOUND, w skład którego wchodzą Jarek Buczkowski (akordeon) / Dawid Troczewski (instrumenty klawiszowe) / Zbigniew Wrombel (kontrabas), stanowi płaszczyznę muzycznego spotkania znakomitych osobowości o bogatym dorobku artystycznym i nie tylko ściśle jazzowych doświadczeniach.Jego niezwykłość polega przede wszystkim na nietypowym instrumentarium. Ciepłe brzmienie akordeonu, wysmakowane tło harmoniczne fortepianu w połączeniu z kontrabasem i wirtuozerią wszystkich muzyków to tylko niektóre atuty tego projektu. Poszukując nowych brzmień i muzycznych inspiracji, zespół stara się kreować własny styl. W swojej grze muzycy wykorzystują elementy muzyki jazzowej i improwizowanej. Zespół ma na swoim koncie liczne koncerty, które spotkały się z entuzjastycznym przyjęciem publiczności. Formacja występuje zarówno w klubach jazzowych (m.in. „Blue Note” –Poznań, „Jazz Club Pod Filarami” –Gorzów Wlkp.), jak i w dużych salach koncertowych (filharmonie, teatry), a także niejednokrotnie podczas różnych koncertów plenerowych i festiwali. Na zaproszenie Polskiego Radia zespół zagrał koncert walentynkowy w Studio Koncertowo-Nagraniowym im. Czesława Niemena w Koszalinie. Występ był zarejestrowany oraz transmitowany na antenie Polskiego Radia.Repertuar THE OTHER SOUND wypełniają jazzowe kompozycje członków zespołu –Dawida Troczewskiego, Jarka Buczkowskiego i Zbigniewa Wrombla, a także autorskie aranżacje filmowych kompozycji Krzysztofa Komedy oraz oryginalne instrumentalne wersje piosenek Mieczysława Fogga.

 

Video-performance „W wieży zamknięta”

3 października (sobota) / 21:00

Twórcy: Teatr CHOREA
Reżyseria: Julia Jakubowska
Zdjęcia: Norbert Serafin, Małgorzata Arszennik
Montaż: Norbert Serafin, Julia Jakubowska
Obsada: Joanna Jaworska-Maciaszek, Małgorzata Lipczyńska, Anna Maszewska, Dorota Porowska
 
OPIS WYDARZENIA:
Video-performance, opowieści, mozaiki inspirowane obecną sytuacją izolacji podczas ogólnoświatowej pandemii, złożone z fragmentów baśni Braci Grimm, piosenek i dialogów, disnejowskich wersji tych baśni, fragmentów opowieści „Biegnącej z Wilkami” Clarissy Pinkoli Estes oraz własnych tekstów. Kobiety w różnym wieku, z różnymi warunkami mieszkalnymi, matki, w związku oraz samotne, tworzą video-performance z autorskimi tekstami. Artystyczna interpretacja losu współczesnej kobiety i jej zmagań. Paralela między archetypowymi reprezentacjami kobiet w baśniach oraz kobietą współczesną.
"W wieży zamknięta" to analiza samotności i smutku, wariacja na temat archetypowych wzorców kobiet, znanych od najmłodszych lat – z bajek i baśni. To wspólne tworzenie Nowej Baśni, poszukiwanie współczesnej Księżniczki. Kopciuszek, Syrenka, Śnieżka i Ta, Która Wie, Ta, Która Mieszka Na Końcu Czasu.
Dawno, dawno temu była sobie, a może i nie…
Dawno temu, w porze, która teraz przeminęła, lecz wkrótce powróci…
Za siedmioma górami, za siedmioma krasnoludkami, tutaj za skrzyżowaniem…
 
INFORMACJE O TWÓRCACH:
Kobiety tworzące „W wieży zamkniętą”, należą do zespołu Teatru CHOREA, lub na stałe z nim współpracują. Wszystkie poruszamy się na granicy teatru, performance'u, tzw. teatru fizycznego poszukując nowych form scenicznej ekspresji. Różnią nas zainteresowania i teatralny background, co tylko wzbogaca wspólne doświadczenie.
 
Julia Jakubowska – aktorka teatralna i filmowa, reżyserka, animatorka kultury. Urodzona w Łodzi, ukończyła Kulturoznawstwo na Uniwersytecie Łódzkim. Pracuje międzynarodowo, mieszka w Łodzi i Budapeszcie. Jej aktorksi debiut filmowy to „Schyłek Dnia” w reż. oskarowego reżysera Laszló Némesa (premiera: 75. Międzynarodowy Festiwal Filmowy w Wenecji, 2018). Kolejne filmy międzynarodowe: „Guerilla”, (premiera: Göteborg Film Festival w Szwecji, 2019), "Simone" (premiera: 2020, reż. Olivier Dahan), "Dark Woods"(serial izraelski, reż. Dalit Kahan). Jej filmowy debiut reżyserski – „Księżniczka”, w którym zagrała też główną rolę, został wyselekcjonowany do amerykańskiego festiwalu filmowego Indie Short Fest w LA, gdzie w lipcu 2020 miał swoją międzynarodową premierę. W 2020 otrzymała Stypendium Artystyczne Prezydent Miasta Łodzi. Obecnie pracuje nad reżyserią spektaklu „Księżniczki”, którego premiera odbędzie się w październiku 2020. Reżyserka i scenarzystka cyklu video-instalacji „W wieży zamknięta”. Od 2020 roku związana z Ośrodkiem Kultury Górna w Łodzi, gdzie zajmuje się produkcją projektów artystycznych. Od 6 lat współpracuje z teatrem Stereo Akt, prowadzonym przez Martina Borossa w Budapeszcie, gdzie gra w spektaklach: "Europen Freaks" (2019), "Last Change Clinic" (2017), "Etykiety" (2016), "Promenade" (2015), "We hear You" (2015). Od 11 lat związana z Teatrem CHOREA, gdzie zagrała m.in. w spektaklach: "Bachantki", "TOV/Dobro", "Oratorium Dance Project", "Grotowski – próba odwrotu". W CHOREI była także współpomysłodawczynią i współrealizatorką licznych projektów społeczno-artystycznych, m.in.: "O miłości", "Wszędodomni" i "Abramka Fest". Współpracowała też ze studentami Łódzkiej Filmówki, m.in. zagrała w etiudach: "Ania" (reż. Filip Gieldon, 2011) i "Krańcówka" (reż. Anna Morawiec, 2014). W 2006 zdobyła nagrodę w I Konkursie Dramaturgicznym Łódzkiego Domu Kultury za tekst „Dialogi”. W 2014 otrzymała nagrodę Francesc Candel za pracę na rzecz integracji imigrantów w Kataloni, podczas pracy na spektaklem na festiwalu teatralnym Fira Tarrega. W 2019 roku nominowana przez krytyków węgierskiego magazynu "Teatr" do nagrody aktorskiej za spektakl "Gala". Często współpracuje z Péterem Kárpáti, m.in. w spektaklach: „Dwie Kobiety” (2015) i „Gala” (2019). Gra w spektaklu „Queendom” (2018) w reż. Veroniki Szabó. Producentka i kuratorka w amerykańskiej Fundacji Howl Round – międzynarodowej platformie teatralnej, której celem jest integracja i budowanie kontaktów międzynarodowych artystów teatru, poprzez udostępnianie i dzielenie się dorobkiem artystycznym podczas sesji live-stramingowych spektakli teatralnych i konferencji naukowych. Pracuje w wielu projektach międzynarodowych w Europie i w USA, nie tylko na scenie. Pracuje także jako dramaturg, lub asystentka reżysera. Prowadzi warsztaty teatralne i integracyjne wykorzystujące techniki teatru fizycznego.
 
Joanna Jaworska-Maciaszek – tancerka, choreografka, aktorka. Współpracuje z Teatrem O.de.la w Rzeszowie, tańczyła w produkcjach: „Koniec, początek – soma” (2018), „Macondo” (2010) i „Harey” w choreografii Marty Bury. Tancerka Pracowni Fizycznej prowadzonej przez Jacka Owczarka w Łodzi. W ramach pracy zespołu zatańczyła w spektaklach „Meandrująca rzeka”, „A3” i „Re:akcja”, prezentowanych na Polskiej Platformie Tańca. Współpracowała z choreografami z Polski i zagranicy, m.in. jako tancerka z Rosanną Gamson/World Wide (Los Angeles), jako asystentka choreografa Roberta M. Haydena w drugiej odsłonie projekctu „Oratorium Dance Project” Teatru CHOREA, w projekcie performatywnym „Topologie” francuskiej grupy Les gens d’Uterpan. Pomysłodawczyni spektaklu „ĆMY”, który stworzyła kolektywnie z trójką tancerzy Pracowni Fizycznej. Tancerka w spektaklu „Matryca, [Prześwit 1/8]”, w reżyserii Pawła Grali, nagrodzonego w Ogólnopolskim Konkursie na Najlepszy Spektakl Teatru Niezależnego „The Best Off”. Stworzyła choreografię do spektaklu „2.0.4.5. Miniopera Metafizyczna” Teatru CHOREA w reżyserii Tomasza Rodowicza. Współorganizatorka interdyscyplinarnych spotkań improwizacyjnych KIPISZ w Łodzi. Uczy tańca i ruchu. Performuje, improwizuje, w tańcu fascynuje ją intuicyjność, przepływ energii, praca nad świadomym byciem we własnym ciele.
 
Małgorzata Lipczyńska – aktorka, tancerka, choreografka, animatorka kultury, instruktorka warsztatowa. Absolwentka Uniwersytetu Marii Curie Skłodowskiej w Lublinie, na Wydziale Socjologii oraz Wydziale Humanistycznym, na kierunku Kulturoznawstwo. Tancerka w grupie "Tańce Labiryntu". Współzałożycielka Teatru CHOREA. W latach 2006-2008 pracowała w WTZ "Teatroterapia" przy Teatrze im. J. Osterwy w Lublinie jako instruktor plastyki ciała. Współtwórczyni choreografii do spektaklu „Isadora. Opowieść o kobiecie”. Tancerka w międzynarodowym projekcie tanecznym „maProject” w reżyserii Liat Magnezy. Współpracowała z wieloma reżyserami i choreografami, m.in.: Pawłem Passinim, Robertem M.Haydenem, Rosanną Gamson, Geraldem Tylerem, Jewgienijem Korniagiem, Jimem Ennisem, Kanem Katsurą. Jesienią 2011 roku pokazała swój monodram pt. „napewnomoże”, oparty na twórczości rumuńskiej pisarki Aglai Veteranyi. Pracowała jako instruktorka tańca w projekcie taneczno-muzycznym „Oratorium Dance Project” realizowanym z udziałem 100-osobowej grupy dzieci, młodzieży i dorosłych oraz orkiestry i chóru Filharmonii Łódzkiej, nagrodzonym „Energią Kultury' i „Złotą Maską”. Od sierpnia 2012 związana z Teatrem Tańca KIJO. W Polsce i za granicą prowadziła wiele warsztatów dla dzieci, młodzieży i dorosłych, z zakresu tańca i teatru. Współpracuje z Uniwersytetem warszawskim, prowadząc zajęcia teatralne w Instytucie Kultury Polskiej.
 
Anna Maszewska – aktorka, koordynator wydarzeń artystycznych oraz wydarzeń rozrywkowych o dużym potencjale komercyjnym. Od 2015 zajmuje się produkcją wydarzeń kulturalnych oraz edukacją filmową i teatralną. Absolwentka Kulturoznawstwa ze specjalizacją Filmoznawstwo na Uniwersytecie Łódzkim oraz studentka Wydziału Organizacji Sztuki Filmowej w Państwowej Wyższej Szkoły Filmowej Telewizyjnej i Teatralnej w Łodzi. W latach 2011-2015 roku aktorka grupy ab’Teatr. W 2015 roku koordynator wolontariuszy podczas festiwalu 20. Forum Kina Europejskiego ORLEN Cinergia oraz lider i aktorka grupy teatralnej Take Over, działającej przy Teatrze CHOREA w Łodzi. W 2016 roku koordynator Mobilnego Kina Skody realizowanego w ramach Transatlantyk Festival. W latach 2016-2017 pracowała jako koordynator produkcji w poznańskiej agencji artystyczno-eventowej Ferment Kolektiv, realizując m.in. takie projekty jak: „Animator On Tour”, „Filmowe Lato z Orange” oraz wydarzenia towarzyszące podczas 43. Forum wokół Kina. W 2017 roku koordynator produkcji 22. Forum Kina Europejskiego.
 
Dorota Porowska – aktorka, reżyserka, choreografka. Studiowała polonistykę na Uniwersytecie Warszawskim. W okresie 1984-2004 aktorka Ośrodka Praktyk Teatralnych „Gardzienice”, wystąpiła w spektaklach zespołu: "Spektakl wieczorny", "Gusła", "Awwakum", "Carmina Burana" i "Metamorfozy". Od 2002 wraz z Elżbietą Rojek, w ramach „Gardzienic” prowadziła formację „Tańców Labiryntu”. Współzałożycielka Stowarzyszenia Teatralnego CHOREA. W 2004 roku, już jako Teatr CHOREA, wyreżyserowała spektakl „Tezeusz w labiryncie”. W latach 2004-2009 brała udział w spektaklach CHOREI: „Po Ptakach”, „Bakkus” i „Śpiewy Eurypidesa”. W 2009 roku wyreżyserowała spektakl "Antygona" według tragedii Sofoklesa  (w koprodukcji z Teatru CHOREA i Teatru KANA). W 2011 roku wzięła udział w projekcie „Oratorium Dance Project” CHOREI. W 2011 roku wyreżyserowała spektakl "Dziewięć miliardów imion Boga". "W następnym roku we współpracy CHOREI z białoruskim Korniag Theatre realizowała eksperymentalny projekt „Rok 2012”. W tym samym roku wzięła udział w realizacji spektaklu „Sen nocy letniej” w Zakładzie Karnym w Opolu Lubelskim, w reżyserii Joanny Lewickiej, oraz zagrała w spektaklu "Merdytacje" powstałym na motywach dramatu Alfreda Jarry 'Ubu król', realizowanym przez Stowarzyszenie Sztuczne z Lublina, w reżyserii Lizy Szczęśliwej. W 2013 roku współtworzyła projekt społeczno-teatralny "Wszędodomni", realizowany z mieszkańcami ośrodków dla bezdomnych w Łodzi. W 2014 roku zagrała w spektaklu "Z drugiej strony" będącym polsko-białoruską koprodukcją Teatru CHOREA i Korniag Theatre. W 2015 roku wyreżyserowała widowisko "A jednak się kręci" – spektakl przygotowany na otwarcie planetarium w EC1 w Łodzi oraz "Labirynt" – produkcję przygotowaną we współpracy z awangardowym brazylijsko-japońskim kompozytorem J.H.Yudo, na lubelski Festiwal Tradycji i Awangardy Muzycznej "Kody". Cały czas uprawia rozbudowaną działalność dydaktyczną, prowadząc warsztaty teatralne dla studentów i młodzieży, między innymi na studiach podyplomowych Instytutu Kultury Polskiej Uniwersytetu Warszawskiego. W 2009 realizowała warsztaty dla młodzieży w ramach programu „Teatr Polska”. Uczestniczyła w projektach z bezdomnymi (w Lublinie i Łodzi), seniorami, dziećmi z „trudnej” ulicy Abramowskiego w Łodzi oraz w międznarodowym projekcie „Expeditions”, realizowanym w środowiskach defaworyzowanych w Tarragonie (Hiszpania), Renns (Francja) i na warszawskiej Pradze. 

DZIEŃ AUTYZMU NA KLAMRZE


9 października (piątek) / 12:00
 
Toruński Dzień Świadomości o Autyzmie – Pokażmy swój świat w ramach którego odbywa się Dzień Autyzmu na Klamrze zorganizowany jest z inicjatywy Katedry Pedagogiki Funkcjonalnej Instytutu Nauk Pedagogicznych UMK, Przedszkola Terapeutycznego Zdobywcy i Fundacja Prodeste.
Integracja organizacji i stowarzyszeń zajmujących się działaniami wspomagającymi rozwój osób z zaburzeniami ze spektrum autyzmu ma na celu pokazanie szerszej grupie społeczeństwa możliwości tkwiących w osobach w ZSA. Zostaną zaprezentowane krótkie przedstawienia, ale również prezentacje tekstów w formie piosenek i wierszy przez dzieci objęte naszą pomocą i wsparciem organizacji biorących udział w wydarzeniu.
Naszym celem jest pokazanie społeczeństwu autyzmu z innej perspektywy i uwrażliwienie na potrzeby osób z zaburzeniami ze spektrum autyzmu. Chcemy, aby szersze środowisko zapoznało się z działaniami, które podejmujemy wobec naszych podopiecznych, ale również byśmy mogli się spotkać i stworzyć platformę porozumienia w realizowanych działaniach w naszym mieście i województwie. Powstała platforma miałaby na celu poszukiwanie wspólnych rozwiązań mających na celu szeroko rozumianą poprawę jakości życia osób ze spektrum autyzmu w społeczeństwie.
Autyzmu nie można się pozbyć, wyleczyć. Można natomiast skutecznie wspierać osoby autystyczne, dostosowując normy, wymagania, oczekiwania do faktycznych możliwości danego człowieka. Podstawą wsparcia osób ze spektrum autyzmu powinna być rzetelna wiedza o tym mniejszościowym wzorcu rozwojowym, a także szacunek i otwartość na różnorodność wśród ludzi.  Dlatego tak ważna jest akceptacja i zrozumienie osób z ZSA przez najbliższe środowisko, które najlepiej zrealizujemy przez udzielanie wsparcia, tworzenie sytuacji mających na celu kreatywne zdobywanie możliwości inkluzji społecznej – wspólne tworzenie nowych perspektyw współdziałania dla dobra nas wszystkich.
 

POŻAR w BURDEKU i ŻELAZNE WAGINY

10 października (sobota) / 20:00
"Cześć i chwała bohaterkom"

 
REŻYSERIA: Michał Walczak
SCENARIUSZ: Michał Walczak
OBSADA: Monika Babula, Karolina Czarnecka, Marta Ojrzyńska, Karol Kiljan
GŁOS BOGA: Andrzej Konopka 
MUZYKA: Andrzej Izdebski
WIZULIZACJE: Marta Frej
PREMIERA: 9 maja 2019, Warszawa
Żelazne Waginy to komediowy spektakl muzyczny – połączenie stand-up, koncertu, kabaretu i performensu, tworzonego przez kobiecy odłam Pożaru w burdelu: Monikę Babulę, Karolinę Czarnecką, Adę Fijał i Agnieszkę Przepiórską. Historia punkowego zespołu feministycznego Żelazne Waginy jest pretekstem do opowieści o kobietach, rozdartych między tradycyjnymi rolami a punkową naturą, która każe im co roku jechać w szaloną trasę koncertową i tworzyć nowe piosenki – komentarz do współczesnej Polski.
 
Po pierwszej płycie "500 zeta", która rozeszła się jak się świeże bułeczki Żelazne Waginy wracają z nowym materiałem. Odnaleziona w antykwariacie płyta winylowa pierwszego na świecie feministycznego zespołu punkowego, w skład którego wchodziła Maria Curie-Skłodowska, Aleksandra Piłsudska i inne ikony polskiego ruchu kobiecego staje się inspiracją do nagrania drugiej płyty Żelaznych Wagin – „Cześć i chwała bohaterkom”. W piosenki zostają wplecione nagrania polityków, biznesmenów i biskupów, pozyskane w ramach pracy wywiadowczej. Aby sprofesjonalizować produkcję dziewczyny zatrudniają managerkę – byłą prezydent Warszawy HGW i jadą w pełną zwrotów akcji trasę po Polsce. Ścigane przez Duszpasterza hipsterów i służby specjalne trafiają na Festiwal Piosenki Reżimowej do Hardkorowa, kręcą dla TVP pilota serialu "Królowe królów" o pierwszych żonach Mieszka, odwiedzają klasztor sióstr Opętanek i przenoszą się w czasie do laboratorium chemiczno-dźwiękowego Marii Curie-Skłodowskiej, gdzie przeobrażają się w superbohaterki…
„Nowa odsłona Żelaznych Wagin to zachwycające, energetyczne i oryginalne widowisko, pełne błyskotliwych spostrzeżeń na temat tego, co obserwujemy w tej chwili w Polsce i w Warszawie, wybuchowe, punkowe, przez co  na swój sposób ekscentryczne show, pełne absurdalno-groteskowych ingrediencji, które  nie stara się być tylko publicystycznym komentarzem do bieżących wydarzeń”
Wiesław Kowalski, Teatr dla Was
 

 

Teatr ÓSMEGO DNIA

9 października (piątek) / 19:00
"Allegro Agitate (utwór, który musi być wykonywany z niespokojną, udręczoną miną)"

 
KREACJA ZESPOŁOWA TEATRU ÓSMEGO DNIA: Ewa Wójciak, Adam Borowski, Jacek Chmaj, Tadeusz Janiszewski, Marcin Kęszycki
WSPÓŁPRACA: Iza Rudzka, Maciej Sierpień, Przemysław Mosiężny, Piotr Najrzał, Jacek Nowaczyk, Jakub Staśkowiak
MUZYKA: Sebastian Dembski
PREMIERA: 20 grudnia 2019, Poznań
W spektaklu wykorzystano fragmenty wierszy Zbigniewa Herberta oraz fragment wiersza „Atlantyda” Wystana Audena w tłumaczeniu Stanisława Barańczaka.
 
„Dedykujemy robotnikom sceny i teatralnym podróżnikom”

Kiedyś zaczynaliśmy spektakl od słów: "godzina wolności przed nami, musimy ją wykorzystać maksymalnie" – słyszymy w "Allegro Agitate (utwór, który musi być wykonywany z niespokojną, udręczoną miną)". Takimi słowami sami artyści otwierają premierę spektaklu. Ich najnowszy spektakl „Allegro Agitate” to deklaracja braterstwa z biednymi i niesprawiedliwie traktowanymi obywatelami tego świata – w slumsach Caracas, na ulicach Hongkongu, w Rosji czy w Chile, a także w Polsce.
Jest to przedstawienie o podróży w głąb siebie – przez przestrzeń duchową, ale i przez tę realną, geograficzną. Spędziliśmy bowiem, przemierzając świat, pewnie połowę naszego życia. Nie jest to sentymentalne wspominanie – staramy podzielić się tym, czego doświadczyliśmy: pokorą wobec świata, fascynacją i zachwytem odległymi kulturami, lecz także otwarciem na innych ludzi i ich dramaty. Poczuwamy się do braterstwa z biednymi i niesprawiedliwie traktowanymi obywatelami tego świata – w slumsach Caracas, na ulicach Hongkongu, w Rosji czy w Chile, nie mniej niż w Polsce.
Jesteśmy robotnikami teatru i obywatelami świata. Taka filozofia. Budujemy nasze spektakle własnymi rękami. I o tym, co to właściwie znaczy również pragniemy opowiedzieć.
Oczywiście, chcemy też pośmiać się z widzami, bo to jedyny sposób na dystans do mrocznej i depresyjnej rzeczywistości…– przekonują artyści.
 
"Allegro agitate…" nie jest łabędzim śpiewem szytym oktametrem. Artyści przywołują w spektaklu kategorię krnąbrnego artysty, który kontestuje zastany świat, nie godzi się na upodlenie poprzez akceptację, ignorowanie zła. To auto-benefis jedynie na zasadzie podkreślenia, że dalej trwa się na swoim stanowisku, że nadal nie straciło się wiary. Nie wyobrażam sobie zresztą Ósemek cokolwiek naiwnie fetujących. "Allegro agitate…" niczego więc tak naprawdę nie domyka, bo pewnych spraw zamknąć się nie da, a na pewnych pozycjach trwa się w nawet w sytuacji, gdy zmieniła się sytuacja polityczna. Idee się nie starzeją.  Pisze Marek S. Bochniarz na łamach kulturapoznan.pl
 

 

Arti Grabowski/Zbigniew Szumski.Teatr Cinema

7 października (środa) / 19:00
"Warunek zabudowy"

REŻYSERIA: Zbigniew Szumski
SCENARIUSZ: Zbigniew Szumski/Arti Grabowski
OBSADA: Arti Grabowski
CHOREOGRAFIA: Zbigniew Szumski
KOSTIUMY: Zbigniew Szumski/Arti Grabowski
PREMIERA: 21 lutego 2020 roku, Poznań
 
W swoim najnowszym spektaklu Arti Grabowski i Zbigniew Szumski pokazują projekt z pogranicza teatru plastycznego i performansu: artystów połączyła fascynacja teatrem absurdu, surrealistami i Tadeuszem Kantorem. Motywami przewodnimi spektaklu będą kwadrat i linia, metaforycznie przedstawiające plac i mur. To historia szamana, budowniczego placów i murów podziałów, próbującego odczarować wydarzenia z Placu Niebiańskiego Spokoju z 89’, Trzech Kultur 68’, Murów: berlińskiego, palestyńskiego, chińskiego, meksykańskiego. Spektakl kolażowo oparty jest na tekstach własnych, Franza Kafki „Historia budowy muru Chińskiego“, Alejandro Jodorowskiego „Podręcznik Psychomagii”, Deyan Sudjica „Kompleks gmachu. Architektura władzy” i Alfreda Kubina „Po tamtej stronie”.
 
Zetnij rosnące pośrodku drzewo, następnie konsekwentnie wykarczuj połać amazońską. Sproszkowany Księżyc wymieszaj z cementem, a z tak uszlachetnionej zaprawy uformuj miliard jeden kostek brukowych, którymi wyłóż powstałe karczowisko. Na tak przygotowanym placu zabaw postaw zamek, pomnik z piaskowej babki, a teren ogrodź murem zwieńczonym tulipanami, kolczastym horyzontem i fosą utkaną z jarmułek, hidżabów, ukraińskich koszul – i czymkolwiek, co tam jeszcze bezużytecznego masz w szafie. Podczas uroczystego otwarcia nowo powstałego Placu wmurować należy tablicę upamiętniającą – koniecznie ze składem chemicznym wszystkich podziałów, recepturą na selekcję wykolejonych, tęczowych, ufarbowanych, tych co to pod prąd myśleli, że płyną. Po latach obal babkę, a foremki przetop na pochodnie i czołgi…Pamiętaj jednak, że i tak możliwe będzie zatrzymanie natarcia zwykłymi reklamówkami, w których przenoszona jest pamięć. – Arti Grabowski
 

 

 

 

 

 

 

Teatr A PART i Teatr AMAREYA

6 października (wtorek) / 19:00
"Cztery"

REŻYSERIA: Marcin Herich
SCENARIUSZ: Marcin Herich
OBSADA: Daniela Komędera-Miśkiewicz, Katarzyna Pastuszak, Aleksandra Śliwińska, Monika Wachowicz
CHOREOGRAFIA: Marcin Herich i zespół
SCENOGRAFIA: Marcin Herich
MUZYKA: Angel, Kato Hideki, Mr Geoffrey & JD Franzke
PREMIERA: 18 lutego 2018, Katowice
Teatr A Part jest teatrem autorskim reżysera Marcina Hericha, założonym w 2004 roku w Katowicach. A Part to niezależny projekt artystyczny i skupiona wokół Hericha grupa teatralna, realizująca autorskie przedstawienia sceniczne, działania site specific oraz widowiska plenerowe. Teatr A Part jest teatrem ciała, ruchu, formy i narracji wizualnej. W obszarze sensów spektakle A Partu sięgają w głąb ludzkich instynktów i tajemnic egzystencji, emocji i imponderabiliów.
Teatr Amareya to teatr ruchu i ciała, który wypracował swoją własną metodę pracy twórczej i technikę tańca/aktorstwa, zakorzenioną w tańcu butoh, tańcu współczesnym, body art, tradycji teatru laboratoryjnego i współczesnej teorii krytycznej. Teatr Amareya powstał w styczniu 2003 r. z inicjatywy Agnieszki Kamińskiej, Katarzyny Julii Pastuszak oraz Aleksandry Śliwińskiej, od początku istnienia pracuje przy Klubie „Winda” – Gdańskim Archipelagu Kultury. Działalność teatru obejmuje trzy kierunki: artystyczny – spektakle, projekty, performanse, dydaktyczny – warsztaty butō, warsztaty głosowe, wykłady, publikacje, animacja kultury – działalność Stowarzyszenia Amareya Art oraz Gdańskiej Szkoły Butoh.
Cztery performerki. kobiety, osoby, ciała.
Cztery w Japonii i Korei jest homofonem słowa „śmierć”.
W kulturze europejskiej jest liczbą człowieka, symbolizuje materię i doczesny porządek.
Cztery strony świata, cztery pory roku i cztery żywioły.
Czterej jeźdźcy Apokalipsy.
Cztery rzeczy nienasycone: otchłań, łono niewiasty, ziemia i ogień.
 
Tym razem ze spotkania artystów świadomie operujących ciałem, światłem i gestem powstał obraz odwołujący się do symboliki liczb (tytułowe „cztery” to najbardziej materialna, ludzka i ziemska z nich), a więc przenoszący widza w wymiar abstrakcji. Tak więc te dwie sfery – abstrakcyjna i materialna – spotkały się w nagich ciałach czterech aktorek i stworzyły spektakl Teatru A Part i Teatr Amareya. Ciała pełnią tu rolę rekwizytu, scenografii i aktora jednocześnie. Scena spowita jest mrokiem, a więc widz, łagodnie kierowany światłem i muzyką, koncentruje na nich całą uwagę. Obserwuje bogate spektrum ich ruchów – od powolnych i leniwych, po gwałtowane i mechaniczne. Śledzi relacje, jakie między sobą budują. W centrum przedstawienia znajduje się materialność człowieka wraz z jego erotyzmem i ograniczeniami, ale także wyrażane za jej pośrednictwem pragnienia, lęki i uczucia.(…)
(Łucja Siedlik, „Dwa pojrzenia na „Cztery” Teatru A Part i Teatru Amareya”)
Spektakl wyłącznie dla widzów dorosłych. W całym przedstawieniu są sceny nagości.
 

 

Teatr PRZEDMIEŚCIE

5 października (poniedziałek) / 19:00
"Faust"

REŻYSERIA I ADAPTACJA TEKSTU: Aneta Adamska
SCENOGRAFIA: Aneta Adamska, Paweł Sroka
OBSADA: Jakub Adamski, Aneta Adamska, Monika Adamiec, Paweł Sroka, Maciej Szukała, Kinga Waleń
MUZYKA: Jakub Adamski
PREMIERA: 26 września 2019, Rzeszów
 
Teatr Przedmieście powstał w 2001 roku z inicjatywy Anety Adamskiej. Stworzyła ona bardzo szybko konsekwentną wizję prowadzenia pracy nad przedstawieniami. W sierpniu 2006 roku zespół zmienił swoją siedzibę na Łańcut, gdzie pracował w Miejskim Domu Kultury do sierpnia 2010 roku. Od tego czasu teatr działa niezależnie i wystawia swoje sztuki w Rzeszowie. Teatr ma na swoim koncie głównie autorskie spektakle: „Opowieść” (2004) „Trzy historie o Ewie” (2005), „Tango” (2007), „Niebo” (2008), "Obietnicę" (2011), "Święto" (2011), "Tchnienie" (2012) oraz dwie koprodukcje z Ośrodkiem Teatralnym CREARC w Grenoble ”Za szafą” (2008) i „Pierwszy” (2009), które były głośno oklaskiwane na wielu scenach w kraju i za granicą (Francja, Włochy, Niemcy, Słowacja, Ukraina).
Teatr Przedmieście był doceniany za swoją pracę artystyczną i może się poszczycić wieloma nagrodami i wyróżnieniami na festiwalach teatralnych w Polsce i Europie.
Zespół współpracuje również z Ośrodkiem Teatralnym CREARC w Grenoble, Theater Frankfurt, Accademią Internatzionale dell’ Attore z Rzymu, Studio Novecento z Mediolanu, Forn de Teatre Pa‘tothom z Barcelony i Stowarzyszeniem Processus – Le Retour d‘Ulysse z Paryża oraz licznymi instytucjami i teatrami w Polsce.
Teatr Przedmieście ponownie sięga po wielką literaturę, po autorskiej interpretacji powieści Thomasa Manna „Józef i jego bracia” w spektaklu „Podróż” i po wznowieniu kultowego dramatu „Dybuk” Szymona An-skiego Aneta Adamska, bierze na warsztat arcydzieło literatury światowej: „Fausta” Johanna Wolfganga Goethego. Nie będzie to jednak klasyczna repertuarowa pozycja, ale jak zwykle sztuka przefiltrowana przez autorską wizję reżyserki.  W naszym spektaklu mieszają się elementy ludyczne i misteryjne, a widz staje się świadkiem wewnętrznej przemiany bohaterów. 
W warstwie tekstowej scenariusza oprócz tekstu Goethego znajdą się fragmenty dramatu „Tragiczne dzieje doktora Fausta” Christophera Marlowe’a. To opowieść o wewnętrznym konflikcie, jaki toczy się w duszy każdego człowieka. Tytułowy Faust pragnie poznać i zrozumieć prawa rządzące światem,  pragnie  konfrontacji z Bogiem i spotkania z siłami piekła, chce doświadczyć czystej, romantycznej miłości. Głównym pytaniem tego spektaklu jest: co stanie się z nami, jeśli zapomnimy o Bogu? Co stanie się z naszą duszą,  jeśli zapomnimy, że to jedyna nieśmiertelność jaką tutaj mamy na ziemi…
 

Older posts

© 2021 KLAMRA 2020

Theme by Anders NorenUp ↑

Visit Us On FacebookVisit Us On Youtube